“Ich bin nur ein Ausführender”
Wir haben KENG~ getroffen, den Produzenten, der sich dafür entschieden hat, nicht von der Musik zu leben, um sie ohne Kompromisse machen zu können.
Es gibt Künstler, die ihr ganzes Leben lang versuchen, ihre Leidenschaft zum Beruf zu machen, und dann gibt es diejenigen, die genau das Gegenteil tun ….
Als ich Maurizio Caggiano traf, bekannt unter dem Künstlernamen KENG~, ich glaube, ich habe das Interview schon im Kopf. Über dreißig Jahre Musikkarriere, sieben veröffentlichte Alben, Gründer von BASIC-Aufzeichnungen, Live-Performer, Sounddesigner, Perkussionist, Dozent, Entwickler, Fotograf, Dekorateur, Kreativer. Die klassische Geschichte eines unabhängigen Künstlers, der drei Jahrzehnte der elektronischen Musik durchlebt hat.
Wir bestellen einen Kaffee, ich schalte das Aufnahmegerät ein, die erste Frage kommt mir fast wie von selbst über die Lippen:
“Lass uns darüber sprechen, was es bedeutet, Musiker zu sein.”
Maurizio lächelt, schüttelt den Kopf und unterbricht mich, noch bevor ich den Satz zu Ende gesprochen habe:
“Halt…”
Er nimmt einen Schluck Kaffee:
“Ich bin kein Musiker.”
Ich schweige:
“Ich bin ein bescheidener Diener des Kosmos. Ein Medium.”
Mir war sofort klar, dass das Interview, das ich vorbereitet hatte, nicht das richtige sein würde, denn KENG~ denkt nicht in Kategorien wie Karriere, Markt oder Musikgenres, sondern in Kategorien wie Energie, Zuhören und Freiheit.
“Die Musik gehört mir nicht.”
Was bedeutet es, ein Medium zu sein?
«Significa smettere di pensare che la musica appartenga a chi la produce. Credo che noi siamo semplicemente dei traduttori. Quando tutto funziona davvero, non sei più tu a decidere. Ascolti la musica, il pubblico, lo spazio. Ascolti il momento. La musica esiste già. Tu provi soltanto a darle una forma, come un demiurgo.»
In der Art, wie er davon erzählt, liegt keinerlei mystische Attitüde, ganz im Gegenteil. Er spricht mit der Selbstverständlichkeit eines Menschen, der diese Überzeugung in jahrzehntelangem Studium, bei Konzerten und durch Experimente entwickelt hat.
Ein Kind, ein Bontempi und unendliche Neugier
Die Geschichte beginnt wie so viele andere auch. Eine Bontempi-Spielzeugorgel, vier Jahre alt, die ersten Unterrichtsstunden – nur dass der kleine Maurizio, anstatt sich auf die Übungen zu beschränken, lieber Knöpfe drückt, Register umlegt und Klänge wechselt:
«Der Lehrer gab mir die Übungen auf. Ich machte sie. Aber dann machte ich einfach weiter. Die Tasten, die Regler und die Knöpfe weckten meine Neugier. Ich wollte verstehen, warum sich der Klang veränderte. Ich glaube, dort hat mein Interesse am Sounddesign seinen Anfang genommen.»
Seitdem hat er nie damit aufgehört. Klavier, Schlagzeug, Didgeridoo, Synthesizer – jedes rhythmische Instrument, das ihm in die Hände fällt, aber vor allem die Neugier, zu verstehen, was hinter jedem Klang steckt.
«Irgendwann reichte es mir nicht mehr, nur Instrumente zu spielen. Ich wollte sie bauen.»
Bauen statt wählen
Viele Produzenten beginnen einen Track damit, dass sie Tausende von Presets durchblättern – er macht es genau umgekehrt.
«Wenn es geht, verzichte ich auf Presets. Ich programmiere Synthesizer gerne von Grund auf neu. Oder nehme die Welt auf.»
Wenn er sagt, er wolle “die Welt aufnehmen”, meint er damit wörtlich, mit seinem Rode-Mikrofon hinauszugehen und alles aufzunehmen, was seine Aufmerksamkeit erregt: ein Gittertor, das Geräusch einer Fabrik, eine Tür, der Wind in den Bäumen, ein Stein, ein Zug – dann geht alles zurück ins Studio, wird zerlegt, granuliert, gefiltert und neu synthetisiert.
«Für mich ist die konkrete Musik kein Genre. Sie ist eine Art, unsere Umgebung zu betrachten.»
Seine Lieblingszusammenfassungen?
«Die FM, weil sie unglaublich reichhaltige Harmonien erzeugt. Die Granularsynthese, weil sie es ermöglicht, die Zeit auf fast physische Weise zu manipulieren. Und die subtraktive Synthese, die nach wie vor eine der elegantesten Formen der Klanggestaltung ist.»
Pure Data, Max/MSP, SuperCollider, Reason: Sie scheinen mehr als nur Software zu sein – sie werden zu Musikinstrumenten.
“Die Technik dient dazu, die Technik zu vergessen.”
An dieser Stelle weise ich ihn auf einen scheinbaren Widerspruch hin:
Er ist Techniker, programmiert, entwickelt, unterrichtet Informatik, beschäftigt sich mit Sounddesign – und dennoch spricht er ständig vom Instinkt.
Er lächelt….
«Denn Technik dient dazu, an den Punkt zu gelangen, an dem man aufhören kann, darüber nachzudenken. Das gilt für ein Instrument, für das Programmieren, für das Abmischen und auch für das Unterrichten. Wenn man eine Technik verinnerlicht hat, kann man endlich zuhören.»
BASIC Records wurde nicht gegründet, um Platten zu verkaufen
Im Jahr 2015 gründete er BASIC Records; das Akronym steht für Basilicata Sound Innovation Community.
«Viele lesen nur das Wort »Records‘. Für mich ist das Wort ‚Community‘ entscheidend. Ich wollte kein Label aufbauen. Ich wollte einen Raum schaffen, in dem man experimentieren kann, ohne jemanden um Erlaubnis fragen zu müssen.“
Heute ist BASIC ein Label, ein Mastering-Studio, eine Multimedia-Produktionsfirma und ein Kreativlabor. Eine natürliche Weiterentwicklung seiner Vorstellung von Unabhängigkeit.
“Ich wollte nie von der Musik leben.”
Das ist wahrscheinlich der überraschendste Satz des gesamten Gesprächs.
«Alle denken, es sei ein Verzicht. Für mich war es ein Erfolg. Ich bin Lehrer. Und ich mache das, weil ich es liebe. Nicht, weil ich darauf gewartet habe, dass etwas anderes kommt. Ich glaube aufrichtig, dass ich einer der glücklichsten Lehrer der Welt bin.»
Seit 2023 ist er festangestellter Lehrer an einer Schule in Piacenza, wo er die Fächer „Labor für Informatik und Informationstechnologie“, „Grafikdesign“, „Informatik“ und „Berufliche Techniken im kaufmännischen Bereich“ unterrichtet.
«Die Tatsache, dass die Musik nicht meine Rechnungen bezahlen muss, hat mir eine enorme Freiheit verschafft. Ich kann veröffentlichen, was ich will, meinen Stil komplett ändern, experimentieren. Ich muss keinen Algorithmen oder Playlists hinterherlaufen. Meine Verantwortung ist es, aufrichtig zu sein.»
Sieben Alben. Tausende von Songs, die niemand jemals hören wird.
«Ich habe sieben Alben veröffentlicht. Aber der größte Teil meiner Arbeit ist nie erschienen.»
Er sieht mich lächelnd an.
«Ich glaube, ich habe Tausende von Titeln, die ich niemals veröffentlichen werde.»
Warum?
«Weil viele davon nur während des Live-Auftritts existieren: Ich nehme sie auf, zerlege sie, setze sie wieder zusammen, überlagere sie mit anderen meiner Produktionen oder mit Musik anderer Künstler, füge Synthesizer, Percussion und Samples hinzu – jede Performance wird zu einem eigenständigen Gebilde. Genau das macht mir Spaß.»
“Frag mich nicht, was ich mache.”
Jedes Mal, wenn jemand ein Konzert organisiert, taucht immer dieselbe Frage auf.
“Was schreiben wir auf den Flyer?”
«Ich antworte immer auf dieselbe Weise. Schreibt: KENG~ Hybrid Set.»
Warum?
«Weil ich selbst nicht einmal weiß, was ich da mache, und das sage ich ohne falsche Bescheidenheit. Meine beiden Decks spielen praktisch nie jeweils einen Track, sie spielen immer zusammen. Dann kommen analoge Synthesizer, Percussion, Samples aus meinem Roland-Sampler, Loops, Texturen und Effekte hinzu. Irgendwann fällt es sogar mir schwer, meine eigenen Produktionen wiederzuerkennen.»
Aus dem Publikum kommen Anfragen nach Definitionen.
DJ? Live? Produzenten-Set?
Er kann sich immer noch nicht entscheiden.
«Definitionen sind für Kataloge da. Nicht für die Musik.»
Das Publikum ist der wahre Selectah
Es gibt ein Wort, das in diesem Gespräch immer wieder auftaucht.
“Ich höre zu.”
«In der jamaikanischen Kultur ist der »Selectah‘ derjenige, der die Platten auswählt. Ich glaube, dass das Publikum der wahre ‚Selectah‘ ist. Ich höre auf die Tanzfläche, spüre die Leute – sie sind es, die, ohne es zu merken, die Richtung der Reise bestimmen.“
Deshalb kann er bei Ambient-Klängen beginnen, über elektroakustische Musik und konkrete Musik führen und schließlich bei Techno, Forest-Psytrance, Hi-Tech, Jungle, Footwork, Dubstep oder IDM enden, ohne dass der Übergang jemals gekünstelt wirkt.
Es folgt kein Ablaufplan, sondern ein Gespräch.
Die wichtigste Lektion kam nicht aus der Musik
Gegen Ende des Interviews ändert sich der Ton, nicht weil ich ihn danach frage, sondern weil das Gespräch unweigerlich an diesen Punkt gelangt.
Vor drei Jahren wurde bei ihm ein Lymphom diagnostiziert, das innerhalb von drei Monaten erheblich an Größe zunahm; es folgten zwölf Chemotherapiezyklen.
«Die Ärzte fragten mich immer wieder, wie ich das schaffe. Sie sagten mir: “Die anderen sind nach der Chemotherapie völlig am Boden. Du organisierst Veranstaltungen, spielst Musik, baust Installationen, bist weiterhin kreativ.”“
Ich antwortete immer dasselbe: »Wenn ich damit aufhören würde, gäbe es keine Therapie, die mich retten könnte.“
Er hält zum ersten Mal während des gesamten Gesprächs inne.
«Die Medizin hat mich geheilt. Daran habe ich nie gezweifelt. Aber die Liebe meines Sohnes und die Musik haben mir die Kraft gegeben, diesen Kampf zu bestehen. Wenn man Vater wird, ändert sich alles. Man lebt nicht mehr nur für sich selbst. Jede Entscheidung bekommt eine andere Bedeutung. Ich bin ein überglücklicher Vater. Und ich glaube, genau dieses Glück hat mich jeden Tag daran erinnert, warum es sich gelohnt hat, weiterzumachen.»
Heute liegt diese Zeit hinter ihm; er erzählt davon nicht als persönlichen Erfolg, sondern als eine weitere Erfahrung, die das bestärkt hat, woran er schon immer geglaubt hat:
dass Musik kein Beruf ist, keine Identität und nicht einmal ein Ziel. Musik ist ein Ort. Ein Ort, an dem man weiterleben kann, auch wenn das Leben einem scheinbar alles abverlangt.
Wir verlassen die Bar, und bevor wir uns verabschieden, frage ich ihn, ob er nach über dreißig Jahren immer noch das Bedürfnis verspürt, etwas beweisen zu müssen.
Er lacht.
«Nein. Ich möchte mich einfach weiterhin selbst überraschen. Wenn das passiert, wird sich wahrscheinlich auch das Publikum überraschen lassen.»
Während er sich entfernt, denke ich an den Satz, mit dem er meine erste Frage korrigiert hatte.
“Ich bin kein Musiker.”
Nach zwei Stunden Gespräch weiß ich immer noch nicht, ob er Recht hat, aber eines ist mir klar: Was auch immer er tut, er tut es mit einer Freiheit, die in der heutigen Musikwelt äußerst selten geworden ist.
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